La Fameuse Invasion des ours en Sicile, c’est à la base un conte de Dino Buzzati, écrivain italien bien connu pour Le Désert des tartares. C’est maintenant un dessin animé signé de la main d’un des maîtres du 9e art, Lorenzo Mattotti. L’histoire raconte comment Tonio, le fils du roi des ours, est enlevé par des chasseurs dans les montagnes de Sicile et comment l’empereur décide alors d’envahir la plaine où habitent les hommes afin de sauver son rejeton.

Rencontre avec Lorenzo Mattotti, artiste de grand talent qui a mis des années à peaufiner ce long métrage d’animation aux couleurs lumineuses et aux personnages animaliers attachants.

Le Clap : Votre film est l’adaptation du conte La Fameuse Invasion de la Sicile par les  ours (NDLR : titre légèrement différent de celui du film) de Dino Buzzati datant de 1945. C’est un conte qui a marqué votre enfance italienne?

Lorenzo Mattotti : Oh oui. Ça a été une grande inspiration et pour le texte et pour les illustrations. On connaît peu le talent de dessinateurs de Buzzati qui a, de plus, une façon unique de raconter des histoires. Mon dessin animé est parti de son univers littéraire et graphique.

Le Clap : Dans le dessin animé Peur(s) du noir,œuvre  collective sortie en 2007, vous étiez plusieurs artistes à travailler sur vos différentes parties. Avec cette adaptation, vous étiez seul aux commandes. Le défi était plus grand, plus lourd inévitablement?

Lorenzo Mattotti

LM : Oui vraiment. J’ai passé cinq ans à travailler sur ce film et pour moi c’est très long. Mais c’était important d’arriver à ce résultat, une grande histoire conçue pour les jeunes. À la base, il y avait un bel intérêt de ma part et des producteurs, soit la question de faire en sorte que ce patrimoine italien ne tombe pas dans l’oubli. Et dans la facture visuelle du film, c’était important d’avoir quelque chose d’intemporel. Et même dans le récit aussi. Les jeunes sont ouverts à ça. Il faut leur faire connaître les grands classiques.

Le Clap : Le budget de votre long métrage est de 11 millions d’euros. Dans le domaine de l’animation, c’est peu, non?

LM : Ça peut paraître beaucoup pour un film européen mais oui, pour un dessin animé de ce type, c’est peu. Nos personnages sont en 2D d’ailleurs. C’est évidemment moins cher, mais heureusement, le budget sert à s’entourer d’une belle bande de collaborateurs dont plusieurs avaient travaillé sur La Tortue rouge. On a essayé tous ensemble de faire de ce dessin animé un grand spectacle pour le grand écran. Je suis très fier du résultat, mais ça a été une longue aventure.

Le Clap : Avez-vous envie d’en faire un autre ?

LM : Hum, si l’aventure justement ne durait que deux ans plutôt que cinq ou encore si j’avais 30 ans plutôt que le double, oui. Mais sinon, l’illustration m’attend et j’ai hâte de retourner dans mon atelier et de recommencer à faire de la peinture.

Le Clap : Quelles sont vos principales influences en illustration, en BD ou en dessins animés?

LM : Mes influences sont celles de quelques grands peintres comme Francis Bacon et aussi des dessinateurs de BD sud-américains impressionnistes. Il y a également Disney le visionnaire, Miyazaki, Yellow Submarine et Roland Topor qui ont été importants pour moi.

Le Clap : Le film est une coproduction entre la France et l’Italie. Comment va l’industrie italienne du cinéma actuellement?

LM : J’ai beau vivre en France, je sais que la situation n’est pas rose. Le cinéma italien s’est replié sur lui-même depuis plusieurs années. En gros, le cinéma italien actuel se limite aux comédies populaires qui ne s’exportent pas vraiment. Mais heureusement il y a quand même Garrone, Sorrentino, Moretti et Pietro Marcello qui font des films très intéressants.

La Fameuse Invasion des ours en Sicile sera à l’affiche au Clap dès le 28 février.

Cette entrevue a été réalisée sur invitation, dans le cadre de la 22e édition des Rendez-vous du cinéma d’UniFrance 2020, à Paris.

Porté par des critiques dithyrambiques, Portrait de la jeune fille en feu, réalisé par Céline Sciamma, est l’un des films phares du cinéma français de 2019 avec Les Misérables de Ladj Ly et leccontroversé J’accuse de Roman Polanski. La réalisatrice, déjà adoubée pour avoir signé Naissance des pieuvres, Tomboy et Bande de filles, a choisi Adèle Haenel (son ex-compagne) et Noémie Merlant pour incarner les rôles principaux de son film qui repose entièrement sur leurs épaules.  L’histoire se résume ainsi… En 1770, Marianne, une peintre est chargée de faire le portrait de Louise et de s’assurer de sa fidélité envers son futur époux à qui elle est destinée. Entre elles, la méfiance de la rencontre initiale fera place à une passion inavouable.

Rencontre avec l’une des deux actrices principales, Noémie Merlant, 32 ans, présente dans presque tous les plans du film et dont la carrière a vraiment décollé en 2019.

Le Clap : En 2019, on vous a vue notamment dans Les Drapeaux de papier puis il y a eu l’effervescence cannoise avec Le Portrait de la jeune fille en feu. Ça a vraiment été une grosse année pour vous, non?

Noémie Merlant : Vraiment, mais on s’en compte seulement après coup. C’est magique tout ça et mon année a été remplie de films dont je suis très fière.

Le Clap : Le film de Céline Sciamma, bien qu’ayant un univers bien singulier, n’en reste pas moins un film d’époque, un long métrage de costume. En enfiler un, ça aide à mieux cerner le personnage, à mieux l’habiter?

Noémie Merlant

NM : Oui, nécessairement. Mon personnage, celui de la peintre Marianne, a un côté un peu masculin, donc le costume, volontairement, devait être lourd, avec de grandes poches pour bien se distinguer des robes très féminines. Et il y a aussi tout l’aspect qui concerne la gestuelle du peintre qu’il fallait intégrer. Les regards, les respirations et les silences. Tout était dans le scénario tout comme ces non-dits qui sont très importants dans l’amour.

Le Clap : Ça a été facile de développer une complicité avec Adèle Haenel?

NM : On s’est apprivoisées, certes, car on n’avait jamais joué ensemble auparavant. En fait, nous sommes assez différentes dans nos énergies, mais toutes deux, nous prenons notre travail très au sérieux. Alors, on a beaucoup observé l’autre. La réalisatrice nous a aussi laissé une marge de manœuvre afin d’avoir une réelle liberté dans notre jeu, et ce, afin qu’il ait l’air naturel devant la caméra. Nous avons pu nous approprier les dialogues et personnaliser notre jeu face à tout ce qui était écrit à la virgule près dans le scénario. Cette liberté de pouvoir proposer des choses sur un plateau est très importante pour moi.

Le Clap : Le public qui s’intéresse au cinéma et à la peinture se souvient peut-être d’Artemisia sorti en 1997, un film biographique sur une peintre trop peu connue du XVIIe siècle. Votre film sert aussi à démontrer l’importance des femmes peintres qui ont ouvert la voie à une autre époque.

NM : Absolument, la société patriarcale tend à nous faire oublier ces personnages historiques. Marianne représente l’histoire non racontée des femmes.

Le Clap : Un film en costume, avec les décors, l’éclairage, les accessoires, ça alourdit un tournage?

NM : Ah oui, il y a définitivement plus de contraintes avec l’éclairage et les costumes. Mais bon, en même temps, un film d’époque nous permet de voyager dans le temps et une actrice, pour moi du moins, c’est aussi un plaisir très spécial et une fois dans l’action, on oublie tout ça rapidement.

Le Clap : Le succès en France et à l’étranger vous a  apporté plus de propositions de scénarios inévitablement, alors si vous pouviez tourner avec un réalisateur en 2020, qui serait-i ?

NM : Sans tricher, mais sachant que vous êtes Québécois, spontanément, je dirais Xavier Dolan. Pour moi, ce serait une fort belle rencontre artistique.

On reverra Noémie Merlant au grand écran en 2020 dans le film Jumbo. À suivre.

Cette entrevue a été réalisée sur invitation, dans le cadre de la 22e édition des Rendez-vous du cinéma d’UniFrance 2020, à Paris.

Anthony Marciano est un jeune réalisateur français qui aime prendre des risques. Nous avons eu l’occasion de voir en 2013 l’une de ses réalisations, Les Gamins avec Alain Chabat et Max Boublil. Ce dernier est encore la tête d’affiche de son tout nouveau film intitulé Play, le film de notre vie, à l’affiche au Clap dès la mi-février. Sa nouvelle comédie dramatique a un concept étonnant, soit de relater la vie presque entière du personnage principal à l’aide d’archives vidéo.  Pour la promo de ce projet inusité, le cinéaste s’est confié sur le défi que représentant la réalisation peu banale de Play mettant à nouveau en vedette son copain de toujours, l’humoriste et acteur français Max Boublil.

Le Clap : Votre film raconte à l’aide d’images d’archives toute la jeunesse et l’arrivée dans le monde des adultes du personnage de Max joué par Max Boublil. Autant dans la façon d’écrire le scénario que dans la réalisation technique, l’ensemble représentait tout un défi, non?

Anthony Marciano, réalisateur.

Anthony Marciano : Un défi incroyable, oui. Il fallait rendre cohérent toutes les scènes que Max filmait. Il fallait justifier l’utilisation de la caméra par Max, de 1993 jusqu’aux années 2010. Il fallait aussi un casting de gens qui vieillissent ensemble et qui ont l’air réellement d’une bande d’amis. C’était difficile de trouver des acteurs qui se ressemblaient d’une époque à l’autre. Il y a eu également un gros travail de direction artistique pour le maquillage, les coiffures, les costumes.

Le Clap : Max Boublil a un beau capital de sympathie en France, je crois.

AM : Oui, de plus en plus. Il est davantage connu comme humoriste, mais son talent d’acteur se fait sentir d’année en année. Max doit quand même toujours prouver qu’il est bon. C’est un acteur sincère et spontané et il était l’homme idéal pour ce rôle. On l’a d’ailleurs écrit ensemble ce film.

Le Clap : L’originalité du long métrage est un atout mais peut aussi décontenancer le public peu habitué à ce genre d’offre.

AM : C’est le pari qu’on s’est donné au départ. Évitez de faire peur aux gens, les amener à être curieux. On a reçu beaucoup de commentaires élogieux de ceux qui sont allés voir le film. La déception pour la sortie française, c’est que médiatiquement, le film était vu à la base comme une sorte d’ovni alors qu’il est très accessible malgré sa forme. Et puis il y a eu les grèves qui n’ont pas aidé non plus. Plusieurs personnes ont même été leurrées par le film, comme si c’était un peu un documentaire, et ça c’était positif bien évidemment.

Le Clap : Play mise quand même beaucoup sur la nostalgie de jeunesse?

Max Boublil dans Play, le film de notre vie.

AM : Oui, c’est vrai. On avait cette nostalgie de notre adolescence et on a eu l’idée de cette caméra immersive, de mettre en scène quelqu’un qui filme sa vie continuellement. L’idée, c’est de revivre chaque moment marquant. Chacun cherche à retrouver des émotions liées à sa jeunesse et ça, ça touche tout le monde. Moi-même, j’ai filmé tellement de choses depuis l’adolescence. En fait, pour l’écriture, on a pris plein d’anecdotes réelles et on mélangeait le tout pour mieux servir l’histoire. C’est mon vécu et celui de Max transposés au grand écran.

Le Clap : Bien que nostalgique, votre film est très actuel dans sa façon d’aborder la génération de l’image.

AM : Play est rassembleur. Aujourd’hui, tout le monde met sa vie en images. Notre film relate les débuts de cette ère. Le principe du film est particulier, la proposition, on y adhère ou non, mais selon moi Play est intergénérationnel. De plus, on l’a vendu dans plusieurs pays dont aux Américains qui eux vont en faire un remake. Je vais d’ailleurs collaborer pour leur faciliter la tâche. Ils refont le scénario pour que culturellement tout coïncide avec leur mode de vie, leurs références culturelles, etc. On est très flatté de leur intérêt et on a hâte de voir le résultat final.

Cette entrevue a été réalisée dans le cadre de la 22e édition des Rendez-vous du cinéma d’UniFrance 2020, à Paris.

Mafia Inc. de Podz, avec Marc-André Grondin.

Février, c’est le mois des Oscars et ce sera une période marquée par la sortie de films en tous genres (horreur avec Come to Daddy, comédie avec Downhill, drame biographique avec Le Traître, film d’animation et de superhéros avec Sonic le hérisson et Birds of Prey, etc.). En résumé, voici les dix longs métrages à voir en priorité durant le mois le plus court de l’année.

1- Mafia inc. : Nouvelle réalisation de Podz basé sur un essai portant sur la famille Rizzuto et se penchant sur le milieu de la pègre montréalaise. Marc-André Grondin et Sergio Castellito se donnent la réplique dans un des films québécois les plus attendus de l’année.

2- Le Lion : Il y a trop peu de bonnes comédies, alors on se croise les doigts pour que la réunion à l’écran de Dany Boon et de Philippe Katerine fasse des étincelles dans ce récit d’espionnage sur fond de mythomanie.

Portrait de la jeune fille en feu.

3- Portrait de la jeune fille en feu : Céline Sciamma réunit à l’écran Noémie Merlant et Adèle Haenel dans un drame saphique en costume où une promise devient amoureuse de l’artiste qui doit l’immortaliser sur toile.

4- Wendy : Le réalisateur Benh Zeitlin a connu en 2021 des débuts fracassants avec Beasts of the Southern Wild. Il est de retour huit ans plus tard pour revisiter le mythe de Peter Pan en focalisant son récit sur le personnage de Wendy. Son drame fantaisiste et insulaire pourrait causer la surprise.

5- Prisons sans barreaux : Documentaire troublant portant sur les personnes victimes d’une hypersensibilité environnementale et qui sont grandement affectées par les champs électromagnétiques.

6- Fantasy Island (L’Île fantastique) : Là on risque de s’amuser ferme en revisitant la série télé des années 80 et en la faisant verser littéralement dans le film d’horreur. Un plaisir coupable avoué de février.

7- Les Chatouilles : Ce drame bouleversant met en scène une jeune femme meurtrie par une  enfance marquée par les « chatouilles » que lui faisait subir le meilleur ami de ses parents. Basé sur l’histoire de la coréalisatrice et actrice Andréa Bescond, ce film permet à Pierre Deladonchamps et à Karin Viard d’offrir des performances stupéfiantes.

8-Corpus Christi (La Communion) : Ce film polonais, nommé aux Oscars, raconte comment un jeune homme converti au catholicisme, une fois sorti de prison, se fait passer pour un prêtre auprès de la population d’une petite ville de banlieue. La bande annonce pique fortement notre curiosité.

9- The Invisible Man (L’Homme invisible) : Elizabeth Moss joue le rôle d’une femme qui découvre que son ex-amant suicidé n’est peut-être pas mort. On ne vous divulgâche pas la suite évidemment, mais on est bien curieux de voir ce film fantastique.

10- La FameuseIinvasion des ours en Sicile : Au départ, il y a le conte de Dino Buzzati qui prend vie au grand écran grâce au talent du célèbre auteur de BD Lorenzo Mattotti, aux commandes de cette adaptation en dessin animé qui prendra cinq ans à réaliser et qui, au final, devient un film  aux images et aux couleurs magiques et au rendu intemporel.

Fabrice Bracq, mandaté pour faire la promotion de sa comédie intitulée Joyeuse retraite!  l’avoue dès le départ, son film en est un de commande. Voilà, c’est dit. Sa comédie, à l’affiche au Clap dès le 31 janvier prochain, met en vedette Michèle Laroque et Thierry Lhermitte et raconte comment des grands-parents, entamant une retraite bien méritée, peinent à se soustraire à leur progéniture qui voit en eux de parfaits babysitters. Leurs personnages sont coincés dans un engrenage les forçant à aider leurs enfants à se sortir d’un quotidien surchargé d’activités dans cette ère où les parents peinent à sortir la tête de l’eau.

Cela dit, il faut aussi préciser que le jeune cinéaste était le seul de son équipe à se présenter aux rendez-vous avec les médias, Lhermitte étant occupé ailleurs et Laroque prétextant un malaise au lendemain de la mise en ligne d’une photo Instagram où elle posait fièrement avec l’équipe 2020 des Enfoirés dont fait partie un certain Patrick Bruel.

Revenons à Joyeuse retraite! et à ce qu’avait à dire Fabrice Bracq sur sa comédie de situation.

Le Clap : Vous avez réalisé plusieurs courts métrages avant de vous embarquer dans l’aventure de Joyeuse retraite!, étaient-ils dans le même registre, à savoir des comédies destinées au grand public?

Fabrice Bracq, réalisateur.

Fabrice Bracq : Il faut d’abord dire que Joyeuse retraite! est un film de commande. Au départ, je devais travailler uniquement sur le scénario, mais les producteurs ont été mal pris et m’ont proposé la réalisation. Cela dit, j’ai fait des films en tous genres et j’ai voulu mettre un peu de mon univers dans ce premier long métrage.

Le Clap : Le sujet du film, c’est facile d’y voir un phénomène très actuel, car les babyboomers  partent tous à la retraite en ce moment. C’est ce qui vous a attiré au départ pour la réalisation de cette « commande »?

FB : Oui, c’est très facile de s’identifier aux personnages. Moi, je me voyais dans les enfants des personnages de Thierry et Michèle avec tout ce que ça implique.

Le Clap : Thierry Lhermitte et Michèle Laroque forment définitivement un couple naturel à l’écran, n’est-ce pas?

FB : Vous avez absolument raison. Ils ont déjà été au même générique de quelques films, mais sans jamais jouer ensemble. Je voulais un couple chic et élégant joué par des acteurs qui connaissent par cœur les rouages de la comédie. Michèle était déjà rattachée au projet à la base et puis Thierry est arrivé. J’avais en tête un couple à la Cary Grant et Audrey Hepburn.

Le Clap : Ils ont tellement d’expérience dans le genre, est-ce que ça vous a intimidé?

Thierry Lhermitte et Michèle Laroque.

FB : J’avais l’air du petit nouveau, du petit rigolo, mais rapidement, ils ont bien vu qu’on avait le même désir de faire de ce film une réussite. Nous avons tous travaillé ensemble, en amont, pour établir le type d’humour qui devait teinter le film. Et au tournage, ils ont été merveilleux, car à chaque scène, je leur demandais d’improviser légèrement, juste pour mettre une touche inusitée et personnelle à la comédie.

Le Clap : Quel était le plus grand défi lors du tournage, car une comédie, c’est une mécanique bien précise?

FB : De tourner avec un chien, carrément. On a pris le meilleur dresseur de France et pourtant le chien était ingérable. Ce n’était pas celui qu’on voulait au départ, même en apparence. Il ne savait pas sauter en plus. Ça a été compliqué pour chaque scène où il apparaissait.

Cette entrevue a été réalisée dans le cadre de la 22e édition des Rendez-vous du cinéma d’UniFrance 2020, à Paris.

Cécile de France mène depuis déjà vingt ans une carrière formidable en France. Depuis ses débuts, la Belge d’origine a enchaîné les tournages, autant des comédies que des drames, flirtant même avec le cinéma de genre par moments (le drame d’horreur Haute tension, 2003), devenant une vedette du grand écran par son talent et son énergie unique. On la retrouvera dès le 24 janvier au cinéma dans une comédie ayant pour titre Rebelles, un film réalisé par Allan Mauduit (Vilaine). Rencontre avec une actrice qui saute à pied joints dans un métier qui lui permet de jouer des femmes fortes et déterminées.

Le Clap : Le film raconte comment trois ouvrières, dont Sandra votre personnage, une ancienne miss Nord-Pas-de-Calais retournée vivre dans son patelin d’origine, s’emparent d’un énorme magot appartenant à la pègre locale. Cette comédie prend l’allure d’un western où les personnages féminins s’éclatent. Est-ce ce qui vous a charmée dès le départ?

Rebelles, réalisé par Allan Mauduit.

Cécile de France : Oui, le film a un côté polar et comédie noire un peu trash. Mon personnage d’ex-miss est détestable et j’avais envie d’en faire une réelle connasse (rire). C’était franchement très agréable à jouer. Dès le début, Sandra est immonde et superficielle. En plus,  elle rejette ses origines. Mais au fil des aventures qu’elle vivra avec ses deux sœurs de crime, jouées par Yolande Moreau et Audrey Lamy, elle deviendra la figure emblématique qu’on retrouve souvent dans les westerns traditionnels.

Le Clap : Le film se déroule à Boulogne-sur-Mer, vous connaissiez l’endroit?

CDF : Non, parce que malgré son joli bord de mer, ce n’est pas ce qu’on appelle une destination très touristique. Mais je suis Belge et ce genre de coin je connais bien. J’habite dans le nord de la France d’ailleurs et la mer du Nord est plus proche de mon identité. J’étais surtout heureuse que, malgré le côté très prolétaire de l’endroit, ce lieu soit très ensoleillé, ce qui évitait de donner au film une saveur trop misérabiliste.

Le Clap : Vous parliez de western, Rebelles fait aussi penser à ces longs métrages mettant de l’avant des personnages féminins forts et prêts à tout!

CDF : Absolument, le film s’inspire des œuvres de Tarantino comme Kill Bill et Jackie Brown. On peut aussi penser à Erin Brockovich. C’est super, car c’est encore trop rare au cinéma

Le Clap : Vous avez souvent joué des personnages de femmes ayant beaucoup de caractère au cinéma. C’est un luxe d’avoir une carrière enrichie par ce phénomène.

Cécile De France

CDF : Vous avez raison, mais j’ai également refusé beaucoup de rôles qui allaient à l’encontre de tout ça. J’ai toujours aimé jouer des femmes libres, qui prennent leur destinée en main. Et ça m’a souri.

Le Clap : Justement, certains de vos rôles sont très inspirants pour les femmes et les plus jeunes filles, je pense par exemple à La Belle Saison, un film saphique qui, je vous le confirme, est diffusé dans certains collèges québécois et qui aide à casser les tabous.

CDF : Eh bien, ça fait plaisir à entendre. J’aime qu’on me le fasse remarquer. Évidemment, ces choix de rôles ne sont pas prémédités. C’est inconscient. Mais je réfléchis avec mon cœur quand je m’engage dans un film. Et si en plus, ça peut avoir cet effet, une certaine inspiration, une réflexion, alors oui, notre métier devient utile.

Le Clap : À vue de nez, 2019 a été une grosse année pour vous avec les titres que vous avez tournés récemment et qui sortiront en 2020?

CDF : Oui, mais ce sont surtout des seconds rôles comme dans le prochain Wes Anderson, The French Dispatch, dans Comédie humaine avec Depardieu et Xavier Dolan, et dans la prochaine réalisation d’Isabelle Bercot ayant pour titre De son vivant. Mais j’espère aussi qu’Un monde plus grand, un film très dépaysant dans lequel je joue et qui vient de sortir en France sera aussi présenté au Québec car, comme pour Rebelles mais dans un autre registre, je crois que vous allez aussi beaucoup apprécier.

Rebelles sera à l’affiche du Clap dès le 24 janvier.

Cette entrevue a été réalisée dans le cadre de la 22e édition des Rendez-vous du cinéma d’UniFrance 2020, à Paris.

Salomé Richard dans Rêves de jeunesse.

Rêves de jeunesse prend l’affiche au Clap, le 24 janvier. Ce film français, sorti l’an dernier dans l’Hexagone, relate un été dans la vie d’une jeune femme, Salomé, qui retourne séjourner dans le Verdon, là où elle a vécu une partie de sa jeunesse. Joué par la Belge Salomé Richard, le personnage au même prénom décide de poser ses pénates dans une déchetterie où elle se fait offrir un petit boulot.

Au Québec, ce lieu inopiné porte le nom d’écocentre, de dump ou encore de cour à scrap. Le cinéaste français Alain Raoust, accompagné de son actrice, a bien voulu revenir sur la réalisation de ce drame social ensoleillé.

Le Clap : Alain, votre dernier long métrage, celui précédant Rêves de jeunesse, remonte à 2007. Qu’est-ce qui explique ce temps d’attente avant cette nouvelle réalisation?

Alain Raoust, réalisateur.

Alain Raoust : Oui, ça fait un gros douze ans d’écart tout ça. En fait et c’est un grand classique, j’ai eu de la difficulté à trouver du financement. Alors j’ai voyagé. Je suis allé au Yukon, en Alberta, en Grèce, en Roumanie. Bref, j’ai vécu et j’ai beaucoup écrit.

Le Clap : Votre film raconte les aléas de Salomé qui fait la rencontre de jeunes de son âge aux destinées fort différentes. Certains semblent coincés dans ce coin perdu et d’autres, au contraire, ont l’air libres. Qu’est-ce qui vous a inspiré?

AR : Je suis parti d’un lieu, la déchetterie, et d’un événement politique qui, à la suite de violence policière, a entraîné la mort d’un militant qui manifestait contre un projet d’aménagement urbain nuisible. C’est ce qui m’a inspiré à la base. Et j’avais envisagé Salomé pour le rôle principal dès le départ.

Salomé Richard : Oui, je me rappelle nos premières rencontres. Alain m’avait montré des photos de trains, celles du photographe Mike Brodie qui sont très inspirantes. C’était un peu pour mettre en images le monde qu’il voulait illustrer de façon très affranchie et sauvage. Et ça m’a beaucoup parlé.

Le Clap : Votre film peut être vu comme un long métrage pour ados, mais il est plus que ça, non?

AR : Tout à fait. Il touche à bien des choses, dont les questionnements qui alimentent les discussions des jeunes et des plus vieux à notre époque. Je vote, je ne vote plus, les répressions policières, etc. Quand je préparais Rêves de jeunesse, les gilets jaunes n’étaient pas encore dans la rue. Il y a un beau hasard au final.

Le Clap : Votre long métrage est tout sauf un film parisien. Vous montrez la vie des jeunes en région. C’était important d’aborder tout cela dans une fiction qui parfois a des airs de western minimaliste?

AR : Oui, tout à fait, et ce qu’on ne soupçonne pas en général, c’est que les jeunes qui décident de rester en région, à la campagne, en forêt, en font maintenant des zones de lutte, des zones où l’on vit en retrait de ce que la société nous impose pour mieux réinventer notre façon de vivre et penser différemment la vie communautaire. Changer de mode de vie, se le permettre, c’est vraiment ce que je voulais illustrer. Célébrer le vivant au final.

Le Clap : Salomé, que retenez-vous du tournage, car le décor qui habite chaque scène de Rêves de jeunesse est un personnage en soi?

SR : Ah oui, je me souviens des montagnes, du ciel, du soleil des vallées du Verdon. Toutes les scènes du film sauf deux ont été tournées en extérieur, en plein jour souvent. J’ai été éblouie. Le jour, il faisait chaud et le soir très froid. Tout ça, on le ressent dans notre jeu, dans notre façon d’incarner notre personnage. Bref, le territoire, son décor et son climat ont participé grandement à donner une couleur incroyable et unique à Rêves de jeunesse.

Cette entrevue a été réalisée dans le cadre de la 22e édition des Rendez-vous du cinéma d’UniFrance 2020, à Paris.

Au dernier Festival de Cannes, le premier long métrage de Ladj Ly, Les Misérables, a reçu un accueil dithyrambique. Dès lors, nous avions hâte de voir ce brûlot qui, lors de sa sortie en France, a été accueilli aussi chaudement par la presse que le grand public.

Le film, qui représente cette année la France aux Oscars, relate une journée dans la vie de trois policiers chargés de patrouiller et de maintenir l’ordre à Montfermeil, un quartier populaire en banlieue de Paris. Dans ce lieu, les tensions sont fortes entre les différents clans locaux. Là-bas, la population est jeune et bigarrée, souvent issue de l’immigration et la petite criminalité fait rage au quotidien.

Ce premier long métrage rappelle inévitablement La Haine de Mathieu Kassovitz en mettant en scène trois personnages principaux. Ici, ce sont trois policiers, l’un est une tête brûlée autoritaire (Chris), l’autre un natif de l’endroit (Gwada) et enfin il y a Stéphane, joué par Damien Bonnard, le petit nouveau qui ne connaît rien à cette dure réalité de banlieue. Damien Bonnard, vu récemment dans Sauver ou périr et dans En liberté, était justement de passage au Québec pour parler de ce formidable long métrage. Voici ce qu’il avait à nous dire.

Le Clap : Damien, étiez-vous déjà venu au Québec avant?

L’acteur Damien Bonnard

Damien Bonnard : Oui, c’est ma troisième visite chez vous. Je suis allé entre autres en Abitibi pour leur festival de cinéma. Avant ça, en 2005, j’avais résidé un an au Nouveau-Brunswick. Je suis arrivé là-bas avec 150 $ en poche. Je n’étais pas comédien à l’époque. J’ai appris sur place à ramasser des têtes de violon, à pêcher. J’ai rencontré des gens dont plusieurs vivent avec peu de moyens, j’ai vraiment découvert les Maritimes, Ça a été un peu un voyage initiatique pour moi.

LC : Les Misérables est un film dont on se souvient. Vous attendiez-vous à un tel succès dès sa première présentation à Cannes?

DB : Oui, c’est un film qui secoue. À Cannes, en compagnie de l’équipe, je l’ai découvert en même temps que le public et je vous confirme, c’est un film que personne n’oublie. La forte réaction, cela dit, nous a quand même étonnés. Les Misérables touche les gens peu importe l’endroit où il est projeté. C’est difficile à expliquer. Peut-être parce qu’à notre époque, ce film parle de changer nos jugements, de faire attention aux autres, et ça, on en a tous besoin.

LC : Quelle est l’idée de base qui a mené au long métrage et qui découle d’un court de Ladj Ly, le réalisateur?

DB : Ladj Ly s’est inspiré de sa vie et de celle de gens qu’il connaissait. Voilà quelques années, il a filmé un acte de violence policière et cette bavure où cinq policiers ont été suspendus a servi à nourrir le scénario écrit avec Alexis Manenti qui joue Chris dans le film.

LC : L’incident premier a été filmé avec un cellulaire, je crois. Ici, c’est un drone dirigé par un enfant qui fait office de témoin.

DB : Le drone, c’est l’œil de l’enfant qui le manipule (joué par le fils du réalisateur), mais c’est aussi l’œil du spectateur. On se sent d’autant plus témoin de tout ce qui se passe avec la façon dont Ladj Ly a déployé sa mise en scène.

LC : Le long métrage peut-il s’inscrire dans une vague de changements afin d’améliorer les choses dans la banlieue parisienne?

DB : C’est difficile à dire, mais au moins il suscite une réflexion, voire des débats, ce qui est un bon point de départ. Mais, on avait dit la même chose de La Haine et pourtant, rien n’a changé ou presque. Vous savez, le film s’inscrit dans l’air du temps. On n’a qu’à penser au Joker qui a une parenté d’esprit avec Les Misérables. Dans les deux cas, on parle de violence, de débordements, de ras-le-bol, mais aussi d’espoir.

LC : Le titre fait référence à l’œuvre de Victor Hugo. C’est que le romancier est passé par Montfermeil à l’époque où il écrivait son classique, non?

DB : Oui, c’est là que des rencontres l’ont inspiré pour créer les personnages des Thénardier et de Gavroche. D’ailleurs, si vous me le permettez, il y a une phrase de Hugo dans Les Misérables que j’aimerais citer et qui résume selon moi parfaitement notre film : « La vie, le malheur, l’isolement, l’abandon, la pauvreté, sont des champs de bataille qui ont leurs héros, héros obscurs plus grands parfois que des héros illustres ».

Les Misérables, film réalisé par Ladj Ly.

En janvier sortiront des films en tous genres. Il y aura le drame québécois d’anticipation Le Rire de Martin Laroche, le dessin animé Les Hirondelles de Kaboul adapté du roman de Yasmina Khadra, le film d’horreur Le Tour d’écrou, le retour des Bad Boys Will Smith et Martin Lawrence pour une troisième aventure, des documentaires sur l’architecte Luc Durand et la défunte réalisatrice Agnès Varda et le dernier film de gangsters de Guy Ritchie intitulé The Gentlemen. Alors voici les dix films à voir en priorité à Québec en ce début d’année 2020.

1- Les Misérables : Non, ce n’est pas une relecture du classique de Victor Hugo, mais bel et bien l’un des films qui marquera 2020. En banlieue de Paris, nous suivons un trio de policiers qui patrouille la cité alors qu’un vol de lionceau menace d’embraser tout le quartier. Un premier long métrage puissant de Ladj Ly.

2- Une femme, ma mère : Claude Demers part sur les traces de sa mère biologique, nous racontant, sur plusieurs décennies, la vie de cette femme qui l’a abandonné. Un documentaire rempli d’amour et de tendresse.

3- Underwater (Sous pression) : Pourquoi pas un film de science-fiction sous l’eau pour commencer l’année avec Kristen Stewart et Vincent Cassel en vedette. Il y a un risque d’inondation de mauvaises idées, mais demeurons optimiste vis-à-vis cette production qui, on l’espère, sera des plus divertissantes.

4- A Hidden Life (Une vie cachée) : Un cultivateur autrichien et père de famille s’oppose au nazisme malgré les menaces des autorités allemandes. Terrence Malick nous offre des images stupéfiantes des alpes et des vallées autrichiennes.

5- The Rhythm Section (La Section rythmique) : Blake Lively et Jude Law sont en vedette dans ce suspense racontant comment une femme qui évite de peu un accident d’avion mortel cherche à trouver ceux qui ont causé cette tragédie.

6- Papicha : Ce drame au féminin s’intéresse à la détermination d’une jeune Algérienne éprise de liberté et d’égalité alors que se radicalise son pays dans les années 90. Un film dur et essentiel porté par une actrice formidable, Lyna Khoudri.

7- Just Mercy (La Voie de la justice) : Ce film relate l’histoire de Bryan Stevenson (joué par Michael B. Jordan), un avocat qui a défendu un condamné à mort et lutté pour la défense des droits civils aux États-Unis.

8- 1917 : Avec son nouveau long métrage, le réalisateur Sam Mendes nous transporte en plein cœur de la Première Guerre mondiale et met en images la mission secrète de deux jeunes soldats britanniques. Les images de la bande-annonce parlent d’elles-mêmes.

9- The Song of Names (Le Chant des noms) : François Girard navigue dans des eaux qu’il connaît bien avec ce film bâti autour de l’amitié entre deux jeunes musiciens qui se perdront de vue pour mieux se retrouver des décennies plus tard. Tim Roth et Clive Owen se donnent la réplique.

10- The Twentieth Century  (Le Vingtième Siècle) : Réalisateur de courts métrages insolites, Matthew Rankin nous offre un premier long centré sur un jeune Mackenzie King rêvant de devenir premier ministre du Canada. De par sa forme aux influences de Méliès, Lang et Maddin et son propos parfois libidineux, ce long métrage est assurément l’objet filmique québécois le plus insolite depuis des lustres.

Le Chant des noms, réalisé par François Girard.

Avec Le Chant des noms (The Song of Names), le réalisateur François Girard nous offre son septième long métrage. En 2017, sa dernière production, Hochelaga, terre des âmes, n’avait pas totalement convaincu les cinéphiles car, rappelons-le, le long métrage était conçu comme un hommage historique à la métropole qui fêtait alors son 375e anniversaire. En entrevue pour la promotion de son nouveau film, le cinéaste affirme qu’il a hésité à se lancer dans l’aventure du Chant des noms, car son récit semblait presque être trop conçu pour lui, à savoir qu’il relatait une histoire évoquant plusieurs époques, lieux et personnages avec en son cœur la musique. Un univers qui nous rappelle inévitablement Le Violon rouge, Trente-deux films brefs sur Glenn Gould ou encore Le Virtuose. Voici en résumé ce que François Girard avait à nous dire sur sa nouvelle réalisation qui prendra l’affiche au Clap, à Québec, le 10 janvier.

PB : François, comment êtes-vous tombé sur cette histoire qui est au départ un livre écrit par Norman Lebrecht?

FG : Le scénario signé par Jeffrey Caine m’a été présenté, puis nous avons travaillé dessus presque deux ans avant d’entamer le tournage.

L’acteur Clive Owen

PB : Quand on lit le résumé du récit, ça semble avoir été écrit pour vous, non?

FG : Presque trop en fait. J’ai même eu une réserve à me lancer dans l’aventure. On dirait que les films de musique me courent après 9rire). Mais j’ai découvert un texte profond, une mission de mémoire, un devoir de dire ces choses à travers des personnages, et ce, avec l’Holocauste en toile de fond. Dans le film, on va suivre deux personnages sur 40 ans, amis d’enfance aux destinées différentes mais ayant tous deux la passion de la musique.

PB : D’illustrer une telle histoire à travers différentes époques et des personnages qui vieillissent, c’est un gros défi pour la production. Ça ne vous fait pas peur?

L’acteur Tim Roth

FG : C’est vrai pour tous les films en fait, on s’attaque à un projet dont on ne sait pas vraiment la finalité. L’aspect musical m’apparaissait assez simple et le défi était plutôt de faire en sorte que les six acteurs qui jouent les deux personnages principaux à trois époques de leurs vies forment des duos qui fonctionnent. Tim Roth avec sa force et Clive Owen avec son charisme, c’était facile de travailler avec eux, mais les jeunes qui interprétaient Martin et Dovidl dans leur jeunesse, il a fallu faire un gros casting et bien les choisir.

PB : The Song of Names, comme plusieurs de vos projets filmiques, est une coproduction canadienne, allemande, hongroise et britannique.

FG : Oui, mais c’est avant tout un film canadien. La photo, le montage, le son et les décors notamment sont assurés par des Québécois qui travaillent régulièrement avec moi. Mes acteurs sont britanniques, mais il y a vraiment une grosse part du film qui est québécoise.

PB : La production de longs métrages a beaucoup changé ces dernières années avec l’arrivée des plates-formes et la mainmise des films à effets spéciaux et de superhéros dans les salles, ça vous affecte?

Le réalisateur François Girard.

FG : C’est surtout les distributeurs et les diffuseurs qui sont impliqués dans les changements qui s’opèrent actuellement et c’est vrai que ça bouge très rapidement. Mais moi, je passe du cinéma à l’opéra, d’une forme d’art à l’autre, sans réelle difficulté. Je suis avant tout un raconteur d’histoires. Il faut voir le positif dans l’évolution du cinéma et Hollywood doit inévitablement s’adapter.

PB: Quel plus beau souvenir gardez-vous du tournage du Chant des noms?

FG : C’est définitivement la visite de Treblinka, le camp d’extermination. Pendant la préparation du film, je suis allé là-bas avec mon scénographe François Séguin et ce fut un choc. J’ai alors vu comment je devais tourner la scène du film qui s’y déroule et dans le livre et dans le scénario. Une scène écrite au départ de façon très bavarde et qui, au final, est devenue une scène sans dialogue. Ça devait se faire ainsi, car l’intensité qui se dégage de ce lieu l’imposait. Le Chant des noms est d’ailleurs le tout premier film à être tourné à Treblinka.